1. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) fue el octavo álbum del grupo británico The Beatles. Es considerado el álbum de rock más influyente de todos los tiempos por muchos críticos; la revista Rolling Stone lo colocó a la cabeza de su lista de "Los Mejores Álbumes" en 2003.

Inmediatamente después de salir a la venta, el álbum se convirtió en una sensación popular. Innovador en todos los sentidos, desde la estructura a las técnicas de grabación, influyó en casi todos los álbumes de los géneros pop y rock que se crearon después.

El álbum surgió de experimentos de estudio, cuando los Beatles decidieron dejar las actuaciones en directo -en Agosto de 1966- hastiados de ellas. En Filipinas, por ejemplo, los gritos de las fans que no los dejaban escucharse a sí mismos y también estaban cansados de no tener tiempo libre para ellos ni intimidad.

Los diarios además no dejaban de presionar: "¿Dónde están los Beatles?" "¿Se les acabaron las ideas?" "Los Beatles están acabados!".. con duros comentarios..

La idea de un disco conceptual, en el que todas las canciones están unidas, se le ocurrió a Paul McCartney para tratar de superar la belleza de Pet Sounds, un álbum de los Beach Boys, que había aparecido unos meses antes.

"Es el mejor disco vocal que se haya grabado nunca" exclamó McCartney cuando lo escuchó "...es en realidad una obra maestra". La semilla del Pepper estaba sembrada.

Cuando Paul voló de regreso al Reino Unido, su cabeza rebosaba de ideas. ¿Por qué no hacer algo igual?, o mejor aún ¿por qué no superar eso? Imaginó, al igual que Wilson, un disco que fuera personal, mucho más atrevido que cualquier cosa que hubieran hecho antes y con una producción cuidada.

McCartney tenía la idea de crear un álbum en secreto cuyo nombre de la banda sea "Sgt. Pepper's...". Pero la idea fue descartada y quedaron solo dos temas, el primero y "With a little help...", cantada por Starr en la voz de "Billy Shears".

Cuando el concepto les fue planteado a los Beatles restantes y a Martin, decidieron aceptar el reto. Sin embargo, en su origen el concepto del disco no era el que hoy conocemos. La idea era que se plasmaran vivencias personales y que el nombre fuera Dr. Pepper.

Lo primero se logró, lo segundo no, por cuestiones de derechos. En Estados Unidos existe una bebida de cola de nombre Dr Pepper, así que decidieron que The Beatles sería una banda militar y que el director fuera el Sgt. Pepper.

Grabado en una época de psicodelia y experimentación, el álbum, producido por George Martin es un precursor de técnicas de grabación y composición. Fue el primer disco grabado en ocho canales, con dos consolas de cuatro canales. Fue, además, un éxito de ventas y popularidad. Incorporó técnicas muy novedosas en el mundo de la música.

La idea central del álbum consistió en que los Beatles tomaron el papel de La banda del Club de Corazones Solitarios del Sargento Pimienta, dejando atrás limitaciones y transformando al rock en objeto de culto. En 13 canciones llevan al límite el concepto del rock, agregando orquestaciones, instrumentos hindúes, grabaciones tocadas al revés y sonidos de animales. Rock, music hall, baladas, jazz y hasta música oriental se mezclan en Sgt. Pepper.

El disco comienza con ruido proveniente de un público expectante que explota con los primeros riffs de guitarra eléctrica de la canción que da título al disco. El resto de la canción es una mezcla de guitarras, cornos y voces de los cuatro Beatles.

Después de ese tema, sin pausas ni silencios, empieza "With a Little Help from My Friends", cantada por el baterista Ringo Starr - una oda a la amistad con una contagiante sensación de esperanza y un respiro entre las estridentes guitarras de la primera canción y la psicodelia de la tercera:

"Lucy in the Sky with Diamonds" de Lennon, con una letra que nos traslada a un mundo donde todo puede suceder. Se ha especulado que sus iniciales - LSD - coinciden con la droga que los Beatles consumieron, aunque John ha desmentido esto, alegando que el título aludía a un dibujo de su hijo. La psicodélica melodía fue alterada al extremo que se piensa que cada nota está con una velocidad superior o inferior a la anterior. Según John Lennon la idea de este mítico tema surgió de un dibujo que realizó su primer hijo Julian. El niño le enseñó a su padre un dibujo en el que una niña sonreía y sus ojos parecían piedras preciosas, Julian le dijo a su padre "Look dad, is Lucy, in the sky with diamonds" en español esto seria: "Mira papá, es Lucy, en el cielo con diamantes"

"Getting Better" es otro de los temas que cambia las estructuras básicas del rock para transformarlas en algo totalmente nuevo. Con sus arreglos de sonido y su particular y constante guitarra, este tema es un canto a la felicidad y esperanza de cambio. En este título se aprecia, en la letra, el contraste de las actitudes de Lennon y McCartney. Se dice, según los mismos Beatles, que "Getting Better" era una frase muy repetida por Jimmy Nicol, el baterista que alguna vez suplió a Ringo Starr en algunas giras.

"Fixing a Hole", parece haber sido influenciado por la época de los '20 o de los '30, aunque posee también algo nuevo e innovador, como la combinación de guitarras y teclado y la capacidad de McCartney de alternar entre armonías, al igual que en el siguiente tema:

"She's Leaving Home", una bella pieza músical en la que nos vemos envueltos, de la mano de cuerdas clásicas y arpas, en el dolor de una joven que abandona su hogar. Es comparada por muchos críticos con grandes obras de la música clásica. Se dice que la idea de componerla surgió de una noticia que contaba la historia de una chica que se fugó de su hogar para poder vivir con su novio, pero la verdadera historia no duró mucho tiempo ya que la joven volvió a su hogar a la semana siguiente.

El sonido de la siguiente canción, Being for the Benefit of Mr. Kite!, nos traslada a un gran circo, con enanos, acróbatas y hasta un caballo que baila el vals; con clavicordios, órganos, una batería hipnótica, sonidos de feria y la voz nasal y fría de Lennon, tiene posiblemente una de las mejores atmósferas jamás creadas por un productor.

"Within You Without You" es al estilo hindú de la mano de George Harrison, con su sitar y acompañamento de violines recorriendo escalas orientales mientras con su voz ensoñada nos habla de Dios, de las personas y del amor.

"When I'm Sixty Four", una obra típica de McCartney, muestra una historia sobre el amor eterno, aunque con un aire de cabaret, dado por las flautas, que la hace única e inconfundible, sin dejar de ser puramente naif. Esta canción fue creada por McCartney en su adolescencia y plasmada en este álbum.

"Lovely Rita" un pop renovado en contraste con la canción anterior, con excelentes arreglos pianísticos y hermosas voces de McCartney y Lennon. Este tema contiene un misterioso mensaje aludiendo a la supuesta muerte de Paul McCartney. El mito de la muerte del músico decía que éste murió en un accidente de automóvil un miércoles a las 5 (por esos muchas de sus canciones hacen alusión a este día y esta fecha), no notó que las luces del semáforo cambiaron por estar mirando auna inspectora de parquímetros (a las que normalmente se las llamaba Meter maids), este mensaje se encuentra en la última canción del album, aunque realmente no se sabe si es cierta la leyenda de la muerte de McCartney y su reemplazo por William Campbell (de nombre artístico Billy Shears).

"Good Morning Good Morning" en el que un gallo canta anunciando el amanecer, para dar lugar a una canción un tanto rara, como demasiado acelerada. Fue ideada por Lennon a partir de un aviso de cereales de maíz Kellogs, una conocida marca identificada por un gallo. En el final se incorporaron una serie de ruidos de animales que aparentemente se comen unos a otros. Con el ruido del gallo pasamos a la próxima canción.

Casi llegando al final, el "Reprise" de la primera canción tiene básicamente su mismo ritmo, aunque sin los arreglos de viento y un tanto más rápida, sumando además una guitarra que la hace inconfundible y mantiene un ritmo rockero.

Para terminar: "A Day in the Life", una obra de arte creada tanto por Lennon como por McCartney, un bis basado en un collage, noticias tomadas en un periódico y sus respectivas reflexiones en la voz nasal y soñadora de John, permitiéndole hacer una visión critica muy especial de lo que se describe en la canción. Todo en un medio difuso y borroso, aunque bello y casi acústico, que se va sumergiendo poco a poco en un ascendente ruido sinfónico que se eleva y se eleva desde el acorde de Sol mayor (en el que está la melodía de Lennon) hasta llegar con las notas más agudas posibles al acorde de Mi mayor para abrir el tema compuesto por McCartney. Ninguno de los músicos encargados en lograr este efecto debía prestar atención a lo que hacían los demás, sólo debía elevar la tonada lo más que pudiese en 26 compases. El reloj que se oye al finalizar este divisorio no es accidental. Su función era avisar a Paul McCartney cuándo debía comenzar a cantar. La cantidad de instrumentos no era suficiente para lograr el efecto deseado. Por eso la grabación fue superpuesta cuatro veces con leves diferencias de tiempo. De esta forma parecía una orquesta de 160 instrumentos. El resultado final suena como el despegue o aterrizaje de un vuelo, pared de ruido que súbitamente se corta por un reloj despertador. Los sentidos se aclaran en la voz límpida y clara de McCartney hasta que de repente nos sumergimos en un sueño más profundo aún que el anterior; la voz de Lennon se debate flotante entre la marea de una orquesta wagneriana, grandiosa, gigantesca. Otra vez estamos en medio de un sueño y otra vez el ruido del despegue o aterrizaje, una explosión y el abismo, con una nota de piano que parece interminable, con la que concluye la canción.

Al final del disco unos ruidos de voces extrañas, segundos de galimatías aparentemente invertidos, nos hacen intuir un mensaje oculto. En realidad éstas fueron grabadas para ocupar el último surco del disco, siempre vacío y así evitar que la gente que no tenía tocadiscos automático escuchara sin cesar el horrendo ruido de freidora que provocaba el ultimo surco vacío. Incluso se escucha una hoja que se cambia de página y una voz diciendo: Shhh!

También se ha especulado con que el trozo exento de música contiene sonidos que sólo pueden oír los perros, ¡por mucho que parezca increíble!

2. Pet Sounds

Pet Sounds es un álbum de los Beach Boys, compuesto casi en su totalidad por su líder, Brian Wilson. Por ello, se trata de un álbum muy personal, intimista y cuya propuesta era totalmente contraria a la música que el grupo hacía hasta entonces, una mezcla de rock and roll y música surf. Los otros integrantes del grupo, en especial el cantante Mike Love, se opusieron al álbum, e incluso la casa de discos Capitol dudó en lanzarlo. Finalmente, salió a la venta el 16 de mayo de 1966.

La música de los Beach Boys, desde que se formaron a principios de la década de 1960, era muy melódica y destacaba por sus armonías vocales, sello del grupo. Sin embargo, conmovido por la gran riqueza de las composiciones de John Lennon y Paul McCartney (de los Beatles) Brian Wilson quiso dar un paso adelante y hacer un disco personal y arriesgado, en el que volcar sus experiencias personales. Fue así como, junto al músico y publicista Tony Asher, comenzó a componer temas para un álbum que rompería con todo lo que había hecho antes el grupo. Incluso consideró la posibilidad de editar el disco como un trabajo en solitario.

Pet Sounds incorpora músicos profesionales ya que los Beach Boys restantes contribuirían poco en la instrumentación, para concentrarse en el trabajo vocal. Por primera vez, Wilson se sentía satisfecho con un trabajo. No obtuvo el éxito al que el grupo estaba acostumbrado (fue su primer gran fracaso comercial), pero sí una obra artística que, según el propio Paul McCartney, "es el mejor disco vocal jamás grabado" y sirvió de inspiración para el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), obra cumbre de los Beatles.

Baladas, folk y coqueteos leves con el rock and roll, todo con armonías vocales, Pet Sounds ha crecido con el tiempo para convertirse para algunos en uno de los álbumes más influyentes.

El álbum fue grabado en sonido monoaural, como todos los discos de los Beach Boys, debido a la sordera de un oído de Brian Wilson, resultado de un accidente de infancia. Varias veces se ha intentado reeditar Pet Sounds en estéreo, pero los fans han opuesto resistencia. En ediciones posteriores en disco compacto se incluye una versión de I Know There's An Answer con diferente letra (y bajo el título de Hang On To Your Ego), ensayos y tomas alternas.

3. What's Going On (1971) - Marvin Gaye

El mejor tercer album de la historia según Volumen Brutal fue grabado por un cantante de soul estadounidense llamado Marvin Gaye, fue lanzado el 21 de mayo de 1971, desde un principio fue una de las influencias musicales de aquel entonces que trascendió la creatividad del autor y de su primigenio estilo. Sus letras hablaban sobre el abuso de las drogas, la pobreza, la guerra de Vietnam y otros temas tabu de aquella época. Nada más ser lanzado se convirtió en uno de los discos clásicos de la temprana decada de los 70. En todo el mundo recibió una de las mejores acogidas y criticas musicales por su cohesión compositiva. En el año 2003 la Revista Rolling Stone le otorga la posición numero 6 como uno de los discos mas influyentes de la historia de la música en una lista de 500 títulos.

Una de las grandes proezas de este disco es que en su tiempo fue una rareza haberlo producido única y exclusivamente por el propio Marvin, sus temas cargados de criticas al sistema y a la Guerra de Vietnam lo hicieron merecedor de muchos reconocimientos sobre todo por ser el primer albúm que MOTOWN RECORDS presentaba con una banda de punta para aquellos tiempos.

What´s Going On vendió en un año 2 millones de copias y apareció en casi todas las listas de BILLBOARD en ese entonces

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4. Dark Side Of The Moon (1973) - Pink Floyd

The Dark Side of the Moon (titulado en la edición en disco compacto de 1993 como Dark Side of the Moon; en español: El Lado Oscuro De La Luna) es el noveno álbum de la banda inglesa Pink Floyd, y el que los llevó al éxito. Un álbum emblemático en la escena del rock, siendo una de las principales referencias de álbum conceptual.

El título original era Eclipse (A Piece For Assorted Lunatics) ("Eclipse (Una Pieza Para Lunáticos Variados)"); pero Pink Floyd estaba realmente molesto porque un grupo de rock folk, llamado Medicine Head, había lanzado un álbum con el título Dark Side Of The Moon, pero al ver la poca, casi nula popularidad de ese álbum, decidieron seguir adelante con sus planes.

La música y la letra de todas las canciones fueron escritas durante un periodo de 7 semanas, mientras la banda preparaba un tour y buscaba desesperadamente producir nuevo material. Dark Side Of The Moon es un álbum conceptual, que se destaca por la unidad de sus canciones (solo interrumpida por los dos lados del disco de vinilo) y su temática sobre la locura del hombre moderno (razón por la que muchos lo relacionan con lo que le sucedió al fundador de la banda Syd Barrett). Es frecuentemente considerado el mejor álbum de la banda, y el último álbum verdaderamente experimental que lanzaron. La música sigue el estilo de los dos álbumes anteriores (Meddle y Obscured By Clouds), aunque está más desarrollada, contiene muchos más efectos sonoros (que complementan el concepto e incluyen voces de personas entrevistadas), mayor cantidad de elementos electrónicos y cuenta con una producción más elaborada (con la colaboración del ingeniero Alan Parsons). Es considerado el disco que ha definido el sonido de la banda. El tema más conocido es "Money", pero también se suelen destacar "Time", "The Great Gig In The Sky" (donde el centro de atención es la vocalista Clare Torry) y "Us And Them".

El hecho de que "Money" sea el tema más conocido, se debe al hecho de que el álbum no consiguió en Estados Unidos el éxito que tuvo en Europa, por lo tanto se decidió lanzarlo como un sencillo para radio, logrando al fin la popularidad. Los cuatro miembros de la banda, Roger Waters, David Gilmour, Richard Wright y Nick Mason participaron en la composición musical y la producción del disco, aunque es el primer disco de Pink Floyd en el que las letras de las canciones fueron escritas por Roger Waters en su totalidad.

5. Revolver (1966) - The Beatles

Revolver” fue simplemente el disco que presentó a los nuevos Beatles, unos Beatles que ya no eran sólo un agradable cuarteto de geniales canciones beat y pop, sino unos Beatles más maduros, más ambiciosos e incluso más creativos que nunca.

Los Beatles ya habían mostrado una notable evolución en su disco de 1965, el maravilloso “Rubber Soul”, una auténtica gema que mezclaba con sabiduría y un gusto exquisito estilos dispares como el folk, el blues, el rock o el pop de toda la vida de los Beatles. Singles de la misma época como “Paperback writer” o “Day tripper” también habían mostrado una gran evolución, un gran cambio, al ser canciones mucho más trabajadas en el aspecto musical e infinitamente más ambiciosas en el lírico, al ser las primeras canciones de los Beatles en alejarse del mensaje que imperaba en la mayoría de sus primeros discos (relación chico-chica). Pero nadie estaba preparado para el cambio en todos los aspectos que supuso “Revolver”.

Este disco, aparecido en pleno Agosto del 66, fue el LP que rompió todos los clichés y los prejuicios que se habían formado en torno al cuarteto de Liverpool. Este álbum fue el disco por el que, entre muchas otras cosas, se ha reconocido el mérito enorme y la influencia de los Beatles dentro del rock (ya no sólo de la música pop en general), además de ser el primer disco de la etapa adulta de este grupo, con nuevos temas líricos, nuevas maneras de componer y un nuevo sonido en general, fresco y atemporal.

Parte de todo este mérito sin duda recae en el malogrado George Harrison, que por fin encontró con este disco su papel real en la banda, dando el contrapunto oscuro, duro y netamente rockero que McCartney y Lennon se habían encargado de eclipsar en los anteriores discos de la banda, donde Harrison desempeñaba el mero papel de guitarra rítmico. De esta manera, temas como el hard-rockero “Taxman”, donde Harrison nos ofrece el primer gran solo de guitarra de toda la discografía de los Beatles, la amenazante y turbadora “I want to tell you” y la mística “Love you to”, la primera canción Beatles de reminiscencias indias (genial el trabajo con el sitar) fueron el sello personal e imprescindible que George ofreció para “Revolver”.

Pero si George Harrison estaba en estado de gracia, Paul y John no podían ser menos. John Lennon se convirtió con este trabajo en el Beatle más socarrón, drogado y cínico, una forma de ser y de enfocar la vida que no le iba a abandonar hasta casi la mitad de los 70, dando a “Revolver” el toque de diversión, sarcasmo juvenil y sana psicodelia que el disco necesitaba, de la mano de temazos como “Doctor Robert”, “She said she said”, “And your bird can sing”, “Got to get you into my life” o “I’m only sleeping”, todos ellos rockeros, originales y con una fijación por las drogas y por la libertad juvenil. Mención aparte para “Tomorrow never knows”, sin duda la canción más psicodélica del disco, destacando sobretodo el gran trabajo a la batería de Ringo Starr (sencillo pero impresionante a la vez) sentando las bases de lo que sería la forma de componer de la banda en la época del Sgt. Peppers y demás.

Paul McCartney, por su parte, acabó de redondear el disco con otra serie de temazos. Pero si George y John habían sido quienes le habían dado el toque experimental, oscuro, drogado y rockero a Revolver, Paul fue el encargado, muy en su línea, de completar el disco con las baladas mágicas y el pop más pegadizo de los Beatles de siempre.

  6. Highway 61 Revisited (1965) - Bob Dylan

Highway 61 Revisited es el sexto álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, publicado por Columbia Records en 1965.

Supone el primer álbum de Dylan en ser grabado de forma completa con una banda de rock, después de experimentar con nuevos sonidos en Bringing It All Back Home. Es comunmente denominado como una muestra del periodo de "hombre joven y enfadado" en la carrera de Dylan, al estar conformado en su mayoría por composiciones de naturaleza acusatoria y con sonidos rudos y altos.

Con éxitos como "Like a Rolling Stone" y "Ballad of a Thin Man", es considerado como uno de los mejores álbumes en la carrera del músico y uno de los más influyentes en la música contemporánea. El propio Dylan comentó al respecto: "No estaré nunca disponible para hacer un disco mejor que aquel... Highway 61 es demasiado bueno. Hay mucho material en él que yo mismo escucharía"

Highway 61 Revisited alcanzó el puesto #3 en las listas de Billboard y el #4 en el Reino Unido, mientras "Like a Rolling Stone" alcanzó el puesto #2 en las listas americanas y el #4 en las británicas. Asimismo, se sitúa en el número uno de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, elaborada por la revista musical Rolling Stone. Por su parte, Highway 61 Revisited figura en el puesto #4 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos

  7. Are You Experienced? (1967) - Jimi Hendrix

Are You Experienced? es el álbum debut de The Jimi Hendrix Experience (la banda de Jimi Hendrix), que fue lanzado en 1967. Este álbum estableció a Hendrix como uno de los artistas de rock más importantes de su época, gracias a su innovadora técnica y uso de feedback. Es frecuentemente considerado uno de los mejores y más importantes álbumes en la historia del rock.

Tras llegar a Inglaterra en septiembre de 1966 y ser tomado bajo el ala de Chas Chandler, Hendrix formó The Jimi Hendrix Experience con Mitch Mitchell en batería y Noel Redding en bajo. El grupo editó tres singles que tuvieron mucho éxito en Inglaterra: "Hey Joe"/"Stone Free" (en diciembre de 1966), "Purple Haze"/"51st Anniversary" (marzo de 1967) y "The Wind Cries Mary"/"Highway Chile" (mayo de 1967). Al mismo tiempo, la banda grabó este álbum con Chas Chandler como productor. Tras lanzarse en Inglaterra en mayo de ese año sin los tres singles (como era costumbre en ese páis en ese entonces), "Are You Experienced" y The Jimi Hendrix Experience se convirtieron rápidamente en una sensación a lo largo de Europa, y el álbum llegó al segundo lugar en ventas en las listas británicas (solo superado por "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de los Beatles).

8. Rubber Soul (1965) - The Beatles

Rubber Soul es un álbum de la banda de rock británica The Beatles que apareció el 3 de diciembre de 1965. Fue grabado en sólo cuatro semanas para aprovechar el mercado navideño, pero a pesar de eso resultó un gran disco y alcanzó el éxito tanto de ventas como de críticas. El álbum fue producido para la EMI por George Martin (que también tocan el teclado, por ejemplo el solo de piano de "In My Life").

En este álbum se ve un gran paso adelante en el desarrollo artístico de los Beatles, ya que dejaron atrás su sonido original. Todas las canciones del álbum fueron escritas por miembros del grupo y se usaron nuevos instrumentos, como el sitar en "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" También se puede apreciar en él la influencia de otros artistas contemporáneos como Bob Dylan.

El equipo compositor que formaban John Lennon y Paul McCartney comenzó a explorar otros temas aparte del amor romántico. En particular, las relaciones entre los sexos pasaron de simples canciones de amor chico-chica a descripciones más datalladas e incluso negativas. "Norwegian Wood" representa un encuentro ambiguo entre el cantante y una chica. La chica de "You Won't See Me" es descrita como inmadura y obstinadamente se niega a escuchar al cantante. En "I'm Looking Through You", la chica no trata bien al cantante. "Girl" describe a alguien que "habla mal de ti delante de los amigos", y "Run For Your Life" presenta una vaga amenaza de muerte.

El álbum pasó 42 semanas en las listas británicas empezando el 11 de diciembre de 1965, y en Navidad superó a Help!, el anterior álbum de los Beatles, colocándose en el primer puesto, posición que mantendría ocho semanas. El álbum se convirtió en un clásico, el 9 de mayo de 1987 regresó a las listas durante 3 semanas, y diez años después hizo otra reentrada en las mismas.

En 1998 los lectores de la revista Q votaron a Rubber Soul como el 40º mejor álbum de todos los tiempos; in 2003 la cadena de TV VH1 lo colocó en el número 6. La revista Rolling Stone lo situó en el número 5.

9. Nevermind (1991) - Nirvana

Nevermind es el segundo álbum de la banda estadounidense Nirvana, publicado el 24 de septiembre de 1991.

Nevermind catapultó a Nirvana de la oscuridad relativa a las alturas del éxito comercial y crítico virtualmente de la noche a la mañana. El álbum alteró radicalmente el panorama musical, cambiando la atención del publico del hair metal de los 80 al movimiento grunge basado en Seattle, Washington que dominó los primeros años de los 90. En el comienzo de su éxito, otras bandas del área de Seattle como Pearl Jam, Soundgarden y Alice in Chains también tuvieron álbumes exitosos, y otros artistas de rock alternativo fueron repentinamente populares en la radio y se veían perseguidos por sellos discográficos.

Nevermind fue producido por Butch Vig y mezclado por Andy Wallace, que concentró las guitarras distorsionadas, la batería destructiva, el bajo retumbante y la voz caótica de la banda en un álbum diseñado para amplias audiencias, y colocó un estándar para la música rock de los 90. El cantante y guitarrista Kurt Cobain expresaría posteriormente que no estaba satisfecho con la producción por ser "ligero" y "amigable a la radio", pero también admitió en la biografía de Michael Azerrad de la banda, Come as You Are, que al escuchar el álbum lloraba.

Nevermind alcanzó el #1 en la lista de álbumes de Billboard 200 y en la lista Heatseekers. Fue votado como el mejor álbum del año en la encuesta Pazz & Jop de The Village Voice. En el 2004, fue una de las 50 grabaciones escogidas por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos para ser añadidas al Registo Nacional de Grabaciones.

Nevermind fue listado #17 en la lista de la revista Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Nevermind fue certificado oro y platino por la RIAA el 27 de noviembre de 1991.

10. Elvis Presley (1956) - Elvis Presley

Muchos consideran que Presley fue el creador del rockabilly, una fusión del country y del blues, aunque a la hora de encontrar a la persona responsable por su mayor auge y desarrollo, la mayoría se inclina por Carl Perkins, autor del hit Blue Suede Shoes. Con la edición de su primer tema de este género, That's All Right Mama, de Arthur Crudup, (género que por cierto dejaría en menos de 17 meses para lanzarse sobre otros ritmos cada vez mas sofisticados), creó una de las imágenes más clásicas del rock and roll. Habiendo conquistado la ciudad de Memphis, así como algunos mercados regionales en el sur de los Estados Unidos, en 1955, fue observado por el Coronel Tom Parker quien gestionó, a finales de ese año, su traslado de la pequeña discográfica Sun Records, a la RCA, a cambio de 35.000 dólares, y un Cadillac para Presley.

A pesar de su muerte, Elvis sigue vendiendo discos y actualmente ha superado la cifra de los 1000 millones de discos vendidos.